Топ 10 известных во всем мире художниц

Guerrilla Girls

«Должны ли женщины быть голыми, чтобы попасть в Музей Метрополитен?»/Do Women Have To Be Naked To Get Into the Met. Museum? (1989)

Анонимный арт-коллектив Guеrrilla Girls, состоящий из фем- и арт-активисток, прячущих свои лица под масками горилл, начали раскачивать лодку нью-йоркского мира современного искусства еще в 1985 году. Целью коллектива была борьба с сексизмом, расизмом и другими видами дискриминации в арт-среде. К началу 1990-х под остроумную медиаатаку и жесткую критику Guerrillа Girls боялся попасть практически весь патриархальный американский истеблишмент, связанный с современным искусством. Коллектив устраивал интервенции, расклеивал листовки и гигантские рекламные баннеры с критикой в адрес уважаемых культурных и художественных институций за их дискриминационную политику. 

Guerrilla Girls. Do Women Have To Be Naked To Get Into the Met. Museum?, 1989. Из коллекции Tate

courtesy www.guerrillagirls.com; photo: Tate

Одна из самых известных работ коллектива, баннер «Должны ли женщины быть голыми, чтобы попасть в Музей Метрополитен?», стала ответной реакцией на то, что в Музее Метрополитен среди всех представленных современных художников было всего лишь пять процентов женщин, при этом 85 процентов обнаженной натуры в коллекции музея были изображениями именно женских тел. Guеrrilla Girls также обращали много внимания на недостаточную репрезентацию в музеях и на вернисажах небелых художниц и художников. По сей день коллектив продолжает отслеживать и подсчитывать гендерный и расовый дисбаланс в галереях, музеях, на выставках и биеннале, регулярно публикуя свои новые работы, подсвечивающие сексизм и расизм, по-прежнему царящий в мире культурных институций.

Членство

Максимальное количество членов SWA — 150. Они продвигают новых художников и поощряют нечленов показывать свои работы на их ежегодной выставке.

Первый шаг к участию — это регулярно подавать шесть работ (хотя максимум четыре будут вывешены) на Ежегодную открытую выставку. Они рассматриваются отборочной комиссией, и в исключительных случаях художник избирается в качестве ассоциированного члена (ASWA) в зависимости от места в обществе. Ассоциированные члены получают право быть избранными в полноправные члены в следующем году.

Президенты

Доктор Линда Смит PSWA 2020

• 1886–1912 Мадлен Марбель
• 1913–1915 Мэри Паунолл
• 1916 Вероятно, Бет Амур
• 1917–1922 Лота Боуэн
• 1923–1931 Шарлотта Блейкни Уорд
• 1932–1967 Дама Лаура Найт
• 1968-1976 Леди Мюриэль Уиллер
• 1977–1982 Элис Ребекка Кендалл
• 1982–1985 Глэдис Доусон
• 1985–2000 Барбара Тейт
• 2000–2005 Элизабет Р. Мик, MBE, HPRMS, FRSA
• 2005–2012 Барбара Пенкет Симпсон
• 2012–2017 Сью Джелли
• 2017–2020 Сорая Френч
• 2020– Д-р Линда Смит

Исполняющие обязанности президентов

• 1932–1933 Доротея Шарп
• 1934–1936 Хелен Стюарт Вейр
• 1937–1939 Констанс Брэдшоу
• 1940 Этель Леонтин Габен
• 1947–1948 Доротея Медли Селус (она же Джеймисон)
• 1949–1950 Ирен Риланд
• 1951–1967 Леди Мюриэль Уиллер
• 1973–1976 Элис Р. Кендалл

Известные члены

(В алфавитном порядке, исключая президентов SWA или исполняющих обязанности президентов, перечисленных выше)

• Маргарет Бэкхаус
• Роуз Мейнард Бартон
• Хосе Кристоферсон
• Флоренс Клэкстон
• Эдит Коллиер
• Лилиан Коттон
• Хельга фон Крамм
• Урсула Фукс
• Фрэнсис К. Фэйрман
• Лаура Сильвия Госсе
• Элис Гвендолин Рона Хасзард
• Сесил Мэри Лесли
• Сара Луиза Килпак
• Вивьен Мэллок
• Июнь Мендоса
• Сара Пейдж
• Эмили Мюррей Патерсон
• Джанет Рассел
• Мэйбл Мэри Спэнтон
• Элизабет Саутерден Томпсон
• Хелен Торникрофт
• Дафна Тодд
• Флора Творт
• Эмили Уоррен
• Мэйбл Уикхэм
• Кэролайн Фанни Уильямс

Офицеры

Президент

Д-р Линда Смит

Вице-президенты

• Розмари Миллер SAA
• Хелен Синклер

Директора

• Сорайя Френч
• Дэни Хамберстон
• Сью Джелли PPSWA SPF
• Розмари Миллер SAA

Почетный казначей

Рэйчел Паркер SWA

Секретарь компании

Розмари Миллер SAA

Исполнительный секретарь

Ребекка Коттон

Пресс-атташе

Сорайя Френч

Члены Совета

• Энн Бланксон-Хеманс
• Сера рыцарь
• Рэйчел Паркер
• Розалинд Робинсон
• Хелен Синклер
• Д-р Линда Смит
• Дайан Урвин
• Розалинд Робинсон

Почетные члены

• Филомена Дэвидсон PPRBS
• Июнь Mendoza AO OBE RP ROI
• Рут Пилкингтон, ROI
• Сьюзан Райдер PVPRP NEAC
• Эмма Сержант
• Дафна Дж. Тодд OBE PPRP NEAC FRSA
• Белинда Тонг
• Джойс Вятт HonUA ASAF (HC) FRSA

Почетные пенсионеры

• Ева Кастл
• Памела Дэвис
• Мэри Грант
• Пэм Хендерсон
• Патрисия Николс
• Джойс Роджерсон
• Дороти Уоттс

Автопортрет в соломенной шляпе

Исполнитель: Луиза Элизабет Виджи Ле Брун

Год: 1782

Автопортрет в соломенной шляпе (1782) — Элизабет Луиза Виджи Лебрун

Пожалуй, величайшая женщина-живописец XVIII века мадам Лебрен написала множество портретов королевской семьи, особенно королевы Франции Марии-Антуанетты. Она стала пионером нового стиля изображения женщин в модной, стильной и очаровательной манере; и её автопортрет свидетельствует об этом. «Автопортрет в соломенной шляпе», на котором Ле Брун изображена в естественном стиле с деревенской соломенной шляпой, без пудры и с неопрятными волосами, является самой известной работой художника и одним из самых известных автопортретов, когда-либо созданных. Виже Ле Брюн вдохновилась на создание этого автопортрета Портретом Сюзанны Лунден, работой известного фламандского художника Питера Пауля Рубенса. Эти две работы имеют несколько сходств. Мадам Лебрен имитирует световые эффекты, используемые Рубенсом. Обе картины теперь можно посмотреть в Национальной галерее в Лондоне.

Мир без прикрас. Топ-22 известных художников-реалистов

Реалисты были против смотрящих с портретов идеальных лиц и безупречных форм. Они передавали самые мелкие детали обстановки, глубоко проникались чувствами персонажей и грандиозностью даже незначительного на первый взгляд момента. И начнем этот рейтинг мы с художников, имена которых слышал каждый. Это знаменитый Илья Репин и его «Бурлаки на Волге», это Иван Шишкин со знакомым любому «Утром в сосновом лесу», это Василий Перов и его картина «Тройка», это Алексей Саврасов со знаменитой картиной «Грачи Прилетели».

И. Репин «Бурлаки на Волге». 1872–1873 гг.

И. Шишкин. «Утро в сосновом лесу». 1889 г.

В. Перов. «Тройка». 1866 г.

А. Саврасов. «Грачи прилетели». 1871 г.

Тема реализма в живописи оказалась весьма востребованной и привлекала многих художников. Среди них назовем передвижника Николая Богданова-Бельского, чьи жанровые сцены и портреты уходили в крупнейшие коллекции, в частности к П. Третьякову. Далее это Абрам Архипов, прославившийся реалистичным отражением крестьянского быта, это Василий Верещагин и Алексей Боголюбов с их завораживающими баталиями. Это удивительные пейзажи Исаака Левитана и Ефима Волкова, индустриальные пейзажи Александра Куприна, или русские пейзажи и евангельские сюжеты Василия Поленова. Это масштабные полотна о выдающихся событиях Ильи Глазунова.

Н. Богданов-Бельский. «Воскресное чтение в сельской школе».

В. Верещагин. «Апофеоз войны». 1871 г.

Отдельной веткой реализма стал соцреализм, в котором работали крупные советские живописцы Сергей Герасимов, Александр Дейнека, Александр Самохвалов, Александр Волков. И среди них представители так называемого сурового стиля Георгий Нисский и Виктор Попков.

А. Дейнека. «Будущие летчики». 1938 г.

В. Попков. «Семья Болотовых». 1967-68 гг.

Свои нотки в реализм добавили и другие художники-передвижники. Это Михаил Клодт с его поэтическими сельскими пейзажами, это Михаил Нестеров, прославившийся нестеровским пейзажем, это Константин Сомов, не побоявшийся познакомить зрителя с интимным миром.

К. Сомов. «Русская пастораль». 1922 г.

Винсент Ван Гог. Сумасшедший и сочувствующий.

Винсент Ван Гог. Автопортрет с отрезанным ухом и трубкой. Январь 1889. Цюрих Кунстхаус музей, Частная коллекция Ниархоса. Wikimedia Commons.

Он не только поскандалил с Гогеном и отрезал себя мочку уха. Ван Гог – гениальный художник, оценённый только после своей смерти.

Он был человеком, не ведающим таких понятий, как “золотая середина” и компромисс. Когда он был пастырем, то отдавал последнюю рубашку бедняку. Когда стал художником, то работал сутки напролёт, забывая о еде и сне. Вот почему за 10 лет он создал такое колоссальное наследие (800 картин и 2 тысячи рисунков).

Сначала картины Ван Гога были мрачными. В них он выражал безграничное сочувствие к бедным людям. И первым его шедевром была именно такая работа – «Едоки картофеля».

На ней мы видим уставших от тяжкого и монотонного труда людей. Настолько уставших, что они сами стали похожи на картошку. Да, Ван Гог не был реалистом и гипертрофировал черты людей, чтобы передать суть.

Винсент Ван Гог. Едоки картофеля. 1885. Музей Ван Гога, Амстердам.

Но зрители любят Ван Гога за яркие чистые цвета. Его картины стали красочными после знакомства с импрессионистами. С тех пор он написал немало букетов, летних полей и цветущих деревьев.

Никто до Ван Гога так не выражал свои эмоции и чувства с помощью цвета. А вот после него – многие. Ведь именно он – главный вдохновитель всех экспрессионистов.

Даже удивительно, как мастер, пребывающий в глубокой депрессии, которая приведёт его к самоубийству, написал такое жизнерадостное произведение как «Подсолнухи».

Винсент Ван Гог. Подсолнухи. 1888. Национальная галерея Лондона.

Мария Башкирцева

Первый русский художник, чьи работы приобрел Лувр. Родилась в 1860-м году на Полтавщине, в 10 лет выехала с матерью в Ниццу. С детства отличалась слабым здоровьем и большими способностями. Обещала стать выдающейся певицей, но из-за болезни потеряла голос. В 18 лет начала заниматься живописью, окончила семилетний курс парижской Академии за два года, с медалью. На следующий год представила свою работу «Молодая женщина, читающая Дюма» в Салоне, через год получила второе место за «Ателье Жулиана» — для начинающего художника это был огромный успех. Всего Башкирцева успела завершить около 150 полотен, последнюю незаконченную работу «Святые жены» можно увидеть в часовне на кладбище Пасси, где покоится тело художницы. Мария умерла в 1884 году от чахотки, в самом начале творческого пути.

Ей даровал Бог слишком много!
И слишком мало — отпустил.
О, звездная ее дорога!
Лишь на холсты хватило сил…

Так писала о ней Марина Цветаева, посвятившая Марии Башкирцевой свой первый поэтический сборник «Вечерний альбом».

Мопассан, посетив её могилу, сказал: «Это была единственная Роза в моей жизни, чей путь я усыпал бы розами, зная, что он будет так ярок и так короток!»

Автопортрет

Поцелуй Эмилии

Полотна австрийского художника Густава Климта известны во всем мире. Его работы входят в топ-10 самых дорогих картин мира. Мировую известность ему принесли полотна «Поцелуй» и «Золотая Адель». Любопытно, что многие дамы с портретов для виртуозного австрийца позировали в платьях модельера Эмилии Флёге. Она же была его музой.

Климт/Поцелуй

Эмилия познакомилась с Густавом, когда ей было 18 лет. Климту было уже под 30. Браком они не стали себя связывать, скрепили свою пару негласным дружеским союзом с толикой романтики. Впоследствии она оставалась постоянной спутницей Климта более 20 лет. Художник лишь раз нарисовал свою музу, но Эмилии и ее семье портрет не понравился, она отказалась его принять. Спустя несколько лет картину приобрел Венский исторический музей. Однако эксперты считают, что Эмилия как минимум дважды появлялась на полотнах творца. Считается, что на картине «Поцелуй» изображен их автопортрет. Она же вдохновила его на написание уникальных пейзажей – мозаичные полотна из точек и узоров. Многие из них были сожжены нацистами во время Второй мировой войны. В 2017 году его пейзаж «Цветущий сад» был продан на лондонском аукционе «Сотбис» за 59 млн долларов.

После смерти художника Эмилия Флёге сожгла все письма, полученные от него. Она пережила художника на 34 года и все это время вела уединенный образ жизни.

1. «Ван Гог. На пороге вечности»

Великолепный Уиллем Дефо в роли великого Ван Гога. Его безумное и в то же время одухотворённое лицо оживило лицо художника, которого мы видели лишь на автопортретах. За эту роль Дефо получил главный приз Венецианского кинофестиваля. Сюжет фильма охватывает период жизни одержимого живописью молодого художника, который он провёл на юге Франции. Именно там сформировался его неповторимый стиль, который поначалу не был принят ни обществом, ни критиками. Его тернистый путь к вечности с капелькой сумасшествия – фильм пронзителен и оставляет след в душе. Отдельно стоит выделить визуальную составляющую – красота кадров погружает зрителя в безумие красок его полотен. Солнце, листва, земля, трава: создатели фильма показывают нам мир глазами Винсента Ван Гога, и это точно стоит увидеть.

п

• Корнелия Пачка-Вагнер , (1864-после 1930), живописец
• Амалия Пахельбель (1688–1723), художник и гравер.
• Жаннетт Папен (1761–1835), живописец
• Хельга Пэрис (род.1938), фотограф
• Лина фон Пербандт (1836–1884), пейзажист
• Анна Петерс (1843–1926), пейзажист и художник-цветочник.
• Лило Петерс (1913–2001), художник и скульптор.
• Пьетронелла Петерс (1848–1924), художник-портретист
• Карлотта Ида Поперт (1848–1923), немецко-итальянский акварелист, гравер.
• Шарлотта Посененске (1930–1985), скульптор.
• Беттина Поустчи (1971 г.р.), немецко-иранский скульптор, фотограф, кинорежиссер
• Мария Катарина Престель (1747–1794), живописец, офорт.
• Гермиона фон Преушен (1854–1918), живописец, писатель
• Эмили Прейер (1849–1930), художник
• Барбара Пробст (род.1964), немецко-американский фотограф
• Анн-Катрин Пуркисс (род. 1959), фотограф
• Дорамария Пуршиан (1890–1972), художник-экспрессионист
• Лилла фон Путткамер (1973 г.р.), художник

Вали Экспорт

«Тактильное кино»/Tapp-und-Tast-Kino (1968–1971), «Генитальная паника»/Genitalpanik (1968–1969), «Конфигурация тел»/Body Configurations (1972–1976)

Одна из самых провокационных звезд феминистского искусства, австрийская художница также много работала с собственной телесностью. Во время уличного перформанса «Тактильное кино», который Экcпорт повторяла несколько раз с 1972 по 1976 год, на ее груди была надета картонная коробка со шторкой, имитирующая кинотеатр. Прохожим мужчинам предлагалось принять участие в аттракционе: просунуть руки на 30 секунд в отверстие коробки-кинотеатра, в котором «фильмом» являлась обнаженная грудь художницы.

Эта ироничная акция указывала на проблемы сексизма и «мужского взгляда» в кино и порнографии, где главные женские персонажи из фильма в фильм выступают исключительно в роли объектов мужского вожделения и ориентированы в первую очередь на зрителя-мужчину. Невозможность увидеть грудь художницы, а только дотронуться, плюс сделать это на виду у других людей — Вали переворачивала привычную модель патриархального взаимодействия между мужчиной и женщиной. Экспорт заставляла мужчин ощутить дискомфорт, самим стать объектом, попавшим под наблюдение окружающих и художницы, которая получала контроль над ситуацией.

Еще один громкий перформанс назывался «Генитальная паника»: Вали Экспорт пришла в кинотеатр, одетая в кожаную куртку и джинсы с вырезом между ног, и с суровым видом начала демонстративно ходить между рядами. Эта акция была продолжением разговора на тему объективации женщины в визуальных искусствах. Живое, пугающее своей внезапной наготой тело Вали Экспорт становится преградой между зрителем и экраном, разрушая магию патриархального кино и прерывая контакт зрителя с вымышленными и идеализированными женскими образами.

По мотивам этого перформанса год спустя был сделан легендарный снимок: фотограф Питер Хассман запечатлел Экспорт в том же костюме и со всклокоченными волосами, грозно сидящую на стуле с автоматом в руках и широко раздвинутыми ногами. Эту фотографию Экспорт распечатывала в больших форматах и расклеивала в публичных местах.

В серии фотографий «Конфигурация тел» Вали Экспорт работает с городским пространством, буквально встраивая свое тело в геометрию улиц и зданий. Принимая неудобные позы, подчеркнутые контрастными яркими линиями и геометрическими фигурами, Экспорт показывала напряжение человека, которому приходится встраиваться в общество и идеологическую среду, ему чуждую. Именно такой средой для художницы была конформистская культура Австрии в послевоенный период. В этой серии работ тело Вали Экспорт становится геометрической фигурой, потерявшей субъектность, вписанной как будто против своей воли в городской ландшафт, встроенной в доминирующую систему.

Ники де Сен-Фалль

Франко-американка аристократического происхождения, феминистка и бунтарка Ники де Сен-Фалль прожила максимально богемную жизнь с массой драматических поворотов. Совсем юной она прославилась как модель, мелькнув на обложках всех модных журналов, переехала из Парижа в Нью-Йорк, а потом снова в Париж, где оказалась в психиатрической больнице. Кроме жутких методов вроде «лечения» электрошоком двадцатилетней девушке прописали арт-терапию — так она и обнаружила своё призвание. Девушка начала с экспрессивных коллажей и ассамбляжей, организовала перформанс (возможно, один из первых в истории искусства) с расстрелом ёмкостей с краской, а позже перешла на скульптуру, которая становилась всё монументальнее. Нарочито жизнерадостный и «наивный» стиль де Сен-Фалль — протест против буржуазного искусства и собственной семьи, где за изящным фасадом скрывалось сексуальное насилие и издевательства над детьми.

На протяжении всей жизни Ники де Сен-Фалль дополняла серию скульптур «Nanas»: это жизнерадостные фигуры с мощными формами, напоминающими палеолитических Венер, которые воплощают силу женщин и их способности к творчеству. Опус магнум художницы — «Сад Таро», расположившийся на юге Тосканы; в «Императрице», одной из 22 расположенных там гигантских скульптур, скульптор обустроила свой дом и прожила там около десяти лет.

Фрида Кало (1907-1954 гг.)

Фрида Кало с фигуркой ольмеков. 1939 г. Фото Николаса Мурая. Rutage.com.

Что приходит в голову при упоминании имени Фриды Кало?

Темпераментная натура, брак с художником Диего Ривера, тяжёлая авария, сквернословие и, конечно, знаменитая монобровь…

За интересной биографией порой теряется само творчество. Но только не у Фриды. Ее картины столь же яркие и неповторимые, как она сама.

Больше всего Кало прославилась автопортретами. Причём почти всегда они были отражением её внутренних переживаний.

Картина «Диего и Я» – не исключение.

Фрида Кало. Диего и я. 1949 г. Частная коллекция. Pinterest.ru.

Фрида считала, что знакомство с Диего было одним из двух несчастий ее жизни. Он всегда был в её мыслях. Поэтому частые измены мужа были для неё крайне болезненными. Оттого мы и видим слёзы на глазах.

Вторым несчастьем Кало считала аварию, в которую попала. Она получила очень тяжёлые травмы: автобус, в котором ехала девушка, врезался в трамвай.

Она долго восстанавливалась после этого. Но до конца здоровье так и не вернулось. Она всю жизнь мучилась от постоянных болей, а ещё так и не смогла стать матерью.

Для Кало рисование было арт-терапией. Поэтому ее тело на полотнах то утыкано гвоздями, то покрыто алыми шрамами. Боль настоящая перерождалась в символы боли на картинах.

«Сломанная колонна» – тоже психотерапевтическая для Фриды работа.

В 1940-х ее ждало еще одно серьезное испытание. Когда-то сломанный в нескольких местах позвоночник не выдерживал нагрузок.

Врачи заставили Фриду носить полгода (!) стальной корсет. Это было невообразимо сложно и мучительно.

Фрида Кало. Сломанная колонна. 1944 г. Музей Долорес Патиньо в Мехико. Artchive.ru.

И вот Фрида рисует свой больной позвоночник в виде разрушающейся древнеримской колонны. В собранном состоянии ее удерживает только пресловутый стальной корсет. 

Фриду не интересовало, что от женщины ждали эстетичной живописи. Для неё это была возможность хоть как-то ужиться со своей болью и предчувствием смерти.

В результате Кало выработала уникальный стиль. Что-то среднее между сюрреализмом и фолк-артом. Она стала художником, чью кисть узнают сразу, даже без базовых знаний живописи.

Клод Моне. Красочный и воздушный.

Клод Моне. Автопортрет в берете. 1886. Частная коллекция.

Моне считается самым ярким представителем импрессионизма. Он всю свою долгую жизнь был предан этому стилю. Когда главные герои – свет и цвет, линии исчезают, а тени вполне могут быть голубыми.

Его «Руанский собор» показывает, как изменяется предмет, если глядеть на него сквозь солнечные лучи. Собор трепещет, живёт в лучах.

Клод Моне. Руанский собор. Закат. 1892-1894 гг. Музей Мармоттан-Моне, Париж

Моне много экспериментировал с мазками, чтобы передать не столько натуру, сколько впечатления от неё. И именно в этом он видел правду. Зачем фотографически повторять пейзаж или предмет?

В последние годы старый художник писал свой сад. Мы тоже можем взглянуть на один из самых живописных уголков этого сада на картине “Белые кувшинки”. Она хранится в Пушкинском музее в Москве.

Клод Моне. Белые кувшинки. 1899. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки XIX и XX веков), г. Москва.

Просто жизнь. Топ-3 известных примитивиста

Примитивисты выступали против всяческих форм зависимости и покорности. Их не устраивала чрезмерно сложная жизнь, поэтому они прибегали в своих работах к ее упрощению. Это заставляло зрителя больше сопереживать, нежели обдумывать. Так родились на свет пронзительные картины известного примитивиста Нико Пиросмани, легендарные полотна Ладо Гудиашвили, выразительные натюрморты Ильи Машкова.

Н. Пиросмани. Групповой портрет «Кутеж»

Л. Гудиашвили. Работа «Нико Пиросмани». 1928 г.

Представленный рейтинг топ-100 самых популярных русских художников не претендует на полноту. Кроме названных живописцев вы наверняка найдете немало талантливых мастеров, которые оказали влияние на развитие живописи. Однако надеемся, что этот немалый список поможет вам в целом оценить размах русского творчество и познакомиться с его многообразием направлений.

Иван Айвазовский. Грандиозный и преданный морю.

Иван Айвазовский. Автопортрет. 1874. Галерея Уфицци, Флоренция.

Айвазовский по праву находится в рейтинге самых известных художников. Его «Девятый вал» поражает своим масштабом.

Иван Айвазовский. Девятый вал. 1850. Русский музей, Санкт-Петербург. Wikimedia Commons.

Величие стихии, безысходность. Сможет ли спастись горстка моряков, выживших после шторма? Утреннее солнце своими тёплыми лучами будто дарит едва уловимую надежду.

Айвазовского можно назвать самым главным маринистом всех времён. Никто не писал характер морской стихии так разнообразно. Никто не изображал столько морских сражений и кораблекрушений.

Иван Айвазовский. Чесменский бой. 1848. Картинная галерея им. И.К. Айвазовского, Феодосия.

При этом Айвазовский был и документалистом, досконально изображая корабельную оснастку. И немного фантазером. Ведь на самом деле Девятый Вал написан неправильно – в открытом море волна никогда не загибается “фартуком”. Но для пущей зрелищности Айвазовский написал ее именно такой.

4. Клод Моне

Основателем импрессионизма является известный французский художник Клод Моне, а первой картиной в этом стиле стало его изображение рассвета в порту города Гавра.

Клод Моне родился в столице Франции в 1840 году. В возрасте пяти лет он переезжает со своей семьёй в город Гавр в Нормандии. Здесь маленький художник учится рисовать и все отмечают его незаурядный талант. Отец Клода Моне даже предложил сыну выставить его картины на продажу в своей бакалейной лавке.

В 1860 году молодого художника призвали на службу в армию. Но уже через два года он поступает в студию живописи, где знакомится с будущими единомышленниками: Базилем, Ренуаром и Сислеем.

За свою жизнь художник женился два раза. Первый брак был с Камиллой Донсье, а второй с Алисой Ошеде. Большую известность принёс художнику портрет Камиллы, который он написал ещё за четыре года до их венчания. От постоянной напряжённой работы воспалились оба глаза художника. Доктора провели операцию и строго запретили Клоду продолжать рисовать. Но его это не остановило и он продолжил писать картину за картиной. Скончался Клод Моне в 1926 году, а через 15 лет его творчество наконец было оценено по достоинству.

Зинаида Серебрякова

Портретистка. Родилась в 1884 году, в Харьковской области. Из творческой династии Бенуа-Лансере, внучка архитектора Бенуа. Обучалась в Художественной школе Тенишевой, завершила образование в Париже, в Академии де ла Гранд-Шомьер (там же, где и Мухина). В 21 год вышла замуж за Бориса Серебрякова, родила четверых детей (все четверо впоследствии тоже стали художниками). Работала с Кустодиевым, Добужинским, участвовала в выставках «Мира художников». В 1919 году чуть не умерла от голода в своем имении. В 1924-м эмигрировала в Париж с двумя детьми, очень много работала, продавала за гроши фантастической красоты портреты. В 1966 году, за год до ее смерти, в России состоялись персональные выставки Серебряковой, она обрела огромную популярность и успела порадоваться заслуженному успеху.

За туалетом. Автопортрет

Луиза Буржуа

Творчество Луизы Буржуа не зря называют энциклопедией современного искусства — кажется, нет такого материала и жанра, который эта великолепная женщина не опробовала за свою 80-летнюю творческую карьеру: от акварели до вышивки, от мягкой текстильной скульптуры до гигантской бронзовой «Мамы»-паучихи, которая готова заключить зрителя в свои жутковатые, но заботливые девятиметровые объятия.

Образы из детства в дисфункциональной семье с отцом, открыто изменявшим матери (см. инсталляцию «Разрушение отца»), художница анализировала и развивала всю жизнь: всю свою тревогу, раздражение, ужас, восхищение и боль Буржуа транслировала вовне — сама скульптор говорила, что занимается «арт-экзорцизмом». Кроме трогательных и острых образов, связанных с домом, семьёй, рождением и смертью, в творчестве Буржуа постоянно встречаются сексуальные метафоры: в работах вроде «Девочки» 1968 года (это огромный пенис из латекса, подвешенный на крюк, как туша в лавке у мясника) Буржуа высмеивает фаллоцентричную культуру и в частности сюрреалистов, которые не пускали женщин в свой кружок. Незадолго до своей смерти в 2010 году Буржуа создала работу «I Do», поддержав права ЛГБТ.

10. Рафаэль Санти

Рафаэль Санти – один из самых известных художников в мире, слава которого началась уже в возрасте 17 лет. А через несколько лет он поступил к Папе Римскому на должность придворного живописца. Молодому Рафаэлю приходилось соревноваться с такими талантами как Микеланджело и Леонардо да Винчи. В мастерстве он им явно проигрывал, но зато всегда доводил свои работы до конца.

В творчестве Рафаэля много картин посвящены изображению Мадонны. Также огромную популярность получили его работы: «Преображение Господне», «Ангел» и прочие. Он также писал портреты, сочинял стихи, расписывал храмы и занимался архитектурой. Он словно пытался сделать всё возможное, предвидя свою смерть в раннем возрасте.

Нравится +12 Не нравится -3Вы уже голосовали

Энди Уорхол (1928-1987)

Энди Уорхол – личность нестандартная и одиозная. Он никогда не делал каминг-аут, но все прекрасно знали о его нетрадиционной сексуальной ориентации.

В него стреляла женщина, снявшаяся в его фильме, но он отказался от обвинений, поэтому за три пули в живот художника она получила всего 3 года и лечение в клинике для душевнобольных.

Общая стоимость его картин, проданных с аукциона, приближается к 500 млн долларов (только «Серебряная автокатастрофа» ушла с молотка за 105,4 млн).

В последние десятилетия произведения этого американца считаются самыми популярными, а его образ нередко используется в кино.

Художника играли Гай Пирс («Я соблазнила Энди Уорхола»), Эван Питерс («Американская история ужасов»), Джаред Харрис («Я стреляла в Энди Уорхола») и другие.

Иероним Босх. Загадочный и таинственный.

Жак ле Бук. Портрет Иеронима Босха. 1550.

Полулюди-полумутанты, громадные птицы и рыбы, невиданные растения и толпы обнаженных грешников… Всё это перемешано и сплетено в многофигурные композиции.

Иероним Босх очень узнаваем. И самая известная его работа – триптих «Сад земных наслаждений».

Иероним Босх. Сад земных наслаждений. Фрагмент. 1505-1510. Музей Прадо, Москва.

Нет другого такого художника, который использовал бы столь много деталей для выражения идей. Каких идей? На этот счёт нет единого мнения. Босху посвящали диссертации и книги, искали толкования его персонажей, но к какому-то одному мнению так и не пришли.

У “Сада земных наслаждений” правая створка посвящена Аду. Здесь мастер ставил своей целью напугать и крестьянина, и образованного современника гнетущими видениями, ожидающими после смерти. Что ж… Босху это удалось. Даже нам чуток не по себе…

Иероним Босх. Сад земных наслаждений. Правая створка триптиха “Ад”. 1505-1510. Музей Прадо, Мадрид.

Но Босх эволюционировал в течение своего творческого пути. И к концу жизни многофигурные, масштабные работы сменились очень близким приближением к героям. Так что они еле влезают “в кадр”. Такова работа “Несение креста”.

Иероним Босх. Несение креста. 1515-1516. Музей изящных искусств, Гент, Бельгия. Wga.hu.

Вне зависимости от того, рассматривает Босх своих героев издалека или вблизи, его посыл один. Показать людские пороки. И достучаться до нас. Помочь нам спасти наши души.

Известные женщины-художницы прошлого

В течение многих столетий талантливым представительницам прекрасной половины человечества приходилось преодолевать немалые трудности, чтобы иметь возможность посвятить себя искусству. Только в ХХ веке ситуация изменилась настолько, что женщины получили шанс обучаться в художественных академиях, принимать активное участие в различных мероприятиях и демонстрировать свои таланты. Современные женщины-художники имеют намного больше возможностей в сравнении со своими предшественницами.

Артемизия Джентилески – первая женщина в истории (XVII век), которая была принята в Академию изящных искусств во Флоренции. О ее жизни написано немало книг и даже снят фильм. Ее картины поражают своей реалистичностью и ничуть не уступают шедеврам известнейших мужчин-художников.

Из французских художниц-женщин особого внимания заслуживает мадам Лебрен. История говорит, что уже пятнадцатилетней девушкой она могла обеспечивать свою мать-вдову и маленького брата благодаря выполняемым заказам на портреты. Художница пользовалась особой любовью в аристократических кругах, так как всегда реалистично, но красиво изображала своих заказчиков в их шикарных нарядах.

Талантливые женщины-художницы 18 века – Ангелика Кауфман и Мэри Мозер – были основателями Королевской академии художеств Британии. Первая из них достигла головокружительного успеха в жанре исторической живописи, вторая – в изображении цветов, букетов и тонко выписанных орнаментов.

Великие художники-женщины в России – это, прежде всего, Наталия Гончарова и Александра Экстер. Они считаются одними из самых дорогих художниц в истории изобразительного искусства. Например, картина Гончаровой «Испанка» входит в десятку наиболее дорогих русских картин, проданных на аукционе за все времена.

Мария Башкирцева стала первой русской художницей, чьи работы были выставлены в Лувре. К сожалению, ее жизнь оказалась очень короткой: в 25 лет она умерла во Франции от туберкулеза. Многие ее картины оказались безвозвратно утерянными во время Первой мировой войны.

Зинаида Серебрякова писала свои знаменитые картины в большой нужде, находясь в эмиграции в Париже. Готовые портреты она часто просто дарила. Денег на покупку красок не хватало, и ей приходилось изготавливать их самостоятельно. Зато теперь ее полотна продаются за баснословные суммы. Ее картины «За завтраком» считают одним из самых лучших детских портретов в истории мировой живописи.

Из знаменитых женщин-художниц многим известна мексиканка Фрида Кало. Ее имя на слуху практически у всех. Жизнь этой талантливой женщины была очень трудной и тяжелой, и это в полной мере отобразилось на ее полотнах. Она пережила не одну болезнь, страшную автокатастрофу, не один десяток операций… Преимущественно она писала автопортреты, на которых можно увидеть любовь, боль, горе, силу, жажду жизни, надежду в удивительном сочетании. В Интернете можно найти фильм про эту женщину-художницу.

Любительница натюрмортов из Милана Феде Галиция(1578-1630)

Эта художница была настоящим вундеркиндом. Увидев рисунки двенадцатилетней Феде, известный маньерист и теоретик искусства Джованни Паоло Ломаццо сразу распознал в ней большой талант. « прекрасно копирует самые сложные произведения искусства,» — писал он.

В 16 лет Феде уже зарекомендовала себя как искусную портретистку. От отца, миниатюриста Нунцио Галиция, она унаследовала тонкость письма и скрупулёзность в изображении мелких деталей, что высоко ценили её заказчики. Но настоящей страстью Феде были натюрморты — она стала первой женщиной в Италии, работавшей в этом жанре.

Феде Галиция «Вишни в серебряной чаше» / Частная коллекция

44 из известных 63 её полотен изображают вазы с сочными персиками, чаши, наполненные спелыми вишнями, ветви винограда. Её работы камерны и элегантны: художница избегала нагромождения элементов, выбирала простые композиции и естественные оттенки.

О личной жизни Феде известно мало: она отказалась от замужества, зато много путешествовала и работала. По оценкам искусствоведов, её творчество повлияло на развитие барочного натюрморта и даже вдохновило Караваджо при написании его знаменитой «Корзины с фруктами».

Art: Лавиния Фонтана «Автопортрет с клавикордом и служанкой» (1577) / Галерея Академии Святого Луки, Рим

1. Леонардо да Винчи

Одним из самых гениальных людей за всю историю можно с уверенностью назвать Леонардо да Винчи. Этот человек сумел прославиться не только как талантливый художник и скульптор, но и как гениальный исследователь, учёный, инженер, музыкант, философ и химик. Высокой оценки заслуживают и картины Леонардо да Винчи. До нашего времени сохранились лишь 17 из них: «Джоконда», «Тайная вечеря», «Благовещение» и другие.

Родился Леонардо да Винчи весной 1452 года в Анчиано. Он переезжал из Флоренции в Венецию и обратно, служил нескольким герцогам Милана, пережил годы войны между Италией и Францией, вёл переговоры между Папой Римским и французским королём, соперничал с известными художниками Микеланджело и Рафаэлем.

В начале 1516 года Леонардо да Винчи начал служить королю Фрэнсису I, почти сразу расположив к себе монарха. Для талантливого художника корона выделила усадьбу Кло и достойную пенсию. Здесь Леонардо и прожил три последних года своей жизни, оставив после себя множество незаконченных шедевров живописи и неразгаданных посланий.

Наталья Гончарова

Вклад «амазонки русского авангарда» Натальи Гончаровой в историю искусства оценивается наравне с творчеством одного из «отцов авангарда» и ее мужа Михаила Ларионова. В своем творчестве художница экспериментировала с самыми разными жанрами — от импрессионизма до кубофутуризма, — благодаря чему выработала собственный выразительный живописный язык. Наталья Гончарова оставила после себя огромное наследие — на ее ретроспективной выставке в Третьяковской галерее было представлено около 400 работ. Гончарова считается одним из наиболее популярных российских художников на арт-рынке: ее «Испанка» входит в десятку самых дорогих русских картин, когда-либо проданных на аукционе.